Yi Myung Rim sur le chemin des Nymphéas: Entre l’eau et la lumière du peintre Claude Monet

« La femme-artiste possède un certain regard qui la fait disparaître; elle et tout le reste, êtres, terre et ciel; et qui fixe un temps, hors du temps.»

Yi Myung Rim portrait

« J’ai mis du temps à comprendre mes nymphéas… Je les cultivais sans songer à les peindre… Un paysage ne vous imprègne pas en un jour… Et puis, tout d’un coup, j’ai eu la révélation des féeries de mon étang. J’ai pris ma palette. Depuis ce temps, je n’ai guère eu d’autre modèle. »

Claude Monet

Le ministère de la culture et de la communication présente: « RENDEZ-VOUS AUX JARDINS » les, 3, 4 et 5 juin 2016.

Cette année: « Les couleurs du jardin », l’espace culturel Gingko’Art de Pontoise participe avec en exclusivité la présentation des Nymphéas, un hommage au peintre Claude Monet par l’artiste coréenne Yi Myung Rim.

Près de 3000 événements à découvrir partout en France pour la 14ème édition des Rendez-vous aux jardins. Retrouvez le programme des 2 300 jardins participants sur la carte interactive et dans la rubrique « Dans votre région » !

http://rendezvousauxjardins.culturecommunication.gouv.fr/

L’artiste coréenne s’inspire des chefs-d’œuvre du Maître de l’impressionnisme et trempe son pinceau dans l’eau de l’étang de Giverny; déjà, autrefois, l’artiste expressionniste américaine Joan Mitchell avait dans une technique picturale appelée « All over », réalisée de remarquable compositions abstraites. Tandis que le peintre chinois Zao Wou-Ki grand admirateur de Monet, réalisa en 1991 un triptyque intitulé hommage à Claude Monet qui évoque d’une part le pont et les nymphéas de Giverny.

Claude Monet

Au printemps de 1883, après avoir arpenté les rives de la Seine du Havre à Paris pendant vingt ans, Claude Monet (1840-1926) se fixe à Giverny. Le peintre a participé à l’aventure collective de l’impressionnisme et exposé aux quatre premières expositions du groupe, de 1874 à 1879. Auréolé de succès, il se retire et acquiert la maison du Pressoir en 1890. Sa peinture prend bientôt un tour différent. Alors que l’exaltation de la couleur demeure, l’étude de l’espace pictural l’occupe de plus en plus. En 1893, Claude Monet demande l’autorisation de détourner la rivière du Ru afin de créer un « jardin d’eau ». Il aménage un bassin enjambé par un pont, référence à l’art japonais qu’il apprécie tout particulièrement.

Dès 1899, avec la série des Nymphéas, Monet oriente son oeuvre vers une recherche inédite en s’attachant à un motif qui deviendra comme une signature. Ayant achevé en 1900 la série du pont japonais, l’artiste entreprend de se consacrer à l’étang fleuri de nénuphars. D’abord par intermittence, quand il ne travaille pas à sa série consacrée au Waterloo Bridge, puis de façon continue à partir de 1904, il se lance dans une grande série consacrée à ce thème. Du printemps à l’automne, l’artiste, installé au bord de l’étang, traduit simultanément sur plusieurs toiles des sensations qu’il reprendra ensuite à l’atelier. Les Nymphéas du MuMa, peints en 1904, font partie d’un ensemble de quarante-huit tableaux intitulés « Les Nymphéas, séries de paysages d’eau », exposés à la galerie Durand-Ruel à Paris en 1909.

« Le jardin de Monet compte parmi ses œuvres, réalisant le charme d’une adaptation de la nature aux travaux du peintre et de la lumière. Un prolongement d’atelier en plein air, avec des palettes de couleurs profusément répandues de toutes parts pour les gymnastiques de l’œil, au travers des appétits de vibrations dont une rétine fiévreuse attend des joies jamais apaisées (…). Il n’est pas besoin de savoir comment il fit son jardin. Il est bien certain qu’il le fit tel que son œil le commanda successivement, aux invitations de chaque journée, pour la satisfaction de ses appétits de couleurs. »

Georges Clemenceau

Monet conçoit donc les Nymphéas comme un ensemble devant lequel le spectateur peut laisser vagabonder son esprit, il voyage. Or ce voyage spirituel n’est possible que grâce à la grande maîtrise du peintre qui a su illustrer les changements éphémères de la lumière naturelle par ses habiles jeux de couleurs.

Méditation

Monet a soixante-quatorze ans quand il commence ce décor et son élaboration coïncide avec le début de la Première Guerre mondiale. Ce projet de peinture a une mission ambitieuse : réaliser une œuvre de paix dans un monde en guerre. L’artiste plonge le spectateur dans une nature pure et silencieuse propice à la rêverie et à la réflexion. L’indéterminé stimule l’imaginaire même si le regard est arrêté par quelques nymphéas, dont le rythme pourrait suggérer une douce musique. Ce paysage, sans présence humaine ni animale, pose une question sur le lien entre l’homme et la nature, un lien perdu, peut-être, avec l’ère industrielle et la civilisation urbaine. Plus on avance dans les salles, plus le calme et le silence nous entourent. Le temps s’écoule avec la course des nuages et la scansion des arbres. Une tonalité bleue, propice à la méditation et chère aux symbolistes, y domine. L’Orangerie prend, au cœur de Paris, une dimension paisible : c’est un havre où l’on s’abrite des trépidations de la vie moderne. Un message universel d’espoir et de recommencement possible est induit par le cycle rassurant de la course du soleil.

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*La force et la signification du geste créateur, le traitement large de toute la surface de la toile sans distinction de plans, sont autant d’éléments qui séduiront, après 1945, les jeunes artistes américains de l’expressionnisme abstrait, comme Joan Mitchell dans ses œuvres « all over ».*

Joan Mitchell et les nymphéas

Fonctionnant souvent en diptyque, les œuvres doivent être vues de loin, dans leur ensemble. Ainsi, Edrita Fried (1981) est constituée de quatre panneaux parcourus de grandes traces bleues, violettes et jaunes. Par endroits, on croit reconnaître des feuillages, des tiges. Le mouvement naît de ces gerbes colorées qui investissent tout l’espace. C’est depuis les années cinquante que Joan Mitchell, qui fait partie de l’École de New-York, réalise des toiles où la composition naît de la gestuelle. L’emploi de couleurs vives et variées, comme la répétition de gestes expansifs, caractérise son style expressionniste abstrait. Née à Chicago en 1925, l’artiste n’a pas seulement été influencée par des peintres américains, comme Franz Kline et Willem de Kooning. En 1955, Joan Mitchell s’installe en France pour rejoindre son compagnon le peintre canadien Jean-Paul Riopelle. C’est à Vétheuil, qu’elle passe l’essentiel de sa carrière, à quelques kilomètres de l’atelier de Claude Monet à Giverny. Marquée par les nymphéas du peintre impressionniste, Joan Mitchell peint de grandes toiles, avec pour ambition de retranscrire ses souvenirs de jardins environnants et les paysages de la Seine. Ainsi La Grande Vallée IX (1983) donne à voir la vallée de la Seine dans deux panneaux verticaux. Les larges coups de pinceaux envahissent l’espace.

Yi Myung Rim et les nymphéas

Par ses compositions subtiles et pleines d’énergie, Myung Rim s’accorde aux sources de l’âme et au miroir de l’esprit, ainsi le spectateur ne discerne plus si le paysage intérieur est un reflet du paysage extérieur-ou le contraire. Le dialogue du dessin et de l’encre se poursuit, mais dans un autre univers, mystique et primordial. L’intelligence, l’intuition et une maîtrise parfaite des techniques, nous fait découvrir ici, un  disciple révélé par l’enseignement et la philosophie des grands maître d’Extrême-Orient, et précisément de ceux qui furent profondément imprégnés de bouddhisme, ou de la philosophie morale du Tao. Une célèbre phrase de Paul Valéry, à laquelle les surréalistes souvent se réfèrent, constate que « l’homme possède un certain regard qui le fait disparaître; lui et tout le reste, êtres, terre et ciel; et qui fixe un temps, hors du temps.»

Mais l’œuvre de Myung Rim ne fait pas disparaître les êtres, la terre, le ciel, elle anéantit seulement toute séparation entre l’homme et Dieu, entre la spiritualité et l’homme.

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C’est à l’âge de13 ans, que la jeune adolescente découvre les écrits du philosophe chinois Zhuangzi et son ouvrage, « le rêve du papillon ». L’auteur, apprécié par celle qui venait de découvrir les métaphores de l’écrivain avait permis de révéler une sensibilité naturelle, elle avait alors pris conscience du silence dans lequel était muré ce qu’il y avait de plus précieux, de plus unique et inexploré en chacun.

L’expression du vide comme un état primordial et nécessaire à toute création objective, le vide par quoi tout commence et tout s’achève; un principe que l’artiste préconise dans la construction métaphysiques de ses créations.

Zao Wou-Ki et Claude Monet

Né à Pékin en 1921, dans une famille de grands lettrés chinois, Zao Wou-Ki passe son enfance à étudier la calligraphie, puis la peinture chinoise et occidentale à l’école des Beaux-arts de Hang-Tcheou. Il arrive à Paris en 1948 et s’installe à Montparnasse, la France étant devenue son pays d’adoption. Grand admirateur de Monet, Zao Wou-Ki réalisa en 1991 un triptyque intitulé Hommage à Claude Monet qui évoque d’une part le pont et les nymphéas de Giverny et d’autre part le pont que Zao Wou-Ki est parvenu à jeter entre la peinture chinoise et la peinture occidentale. Un paysage onirique à la gloire du génie des hommes. Comment Zao Wou-Ki a-t-il connu Monet ? Quel a été son impact sur son œuvre ? Quel rôle la France a t-elle joué sur lui ? sont les questions que nous posons à notre invité rencontré au domicile de l’académicien des beaux-arts. Yann Hendgen nous rappelle que Zao Wou-Ki a été formé en Chine, à l’école de Hang-Tcheou. Dans le cadre de cette formation il suit un double cursus composé de tradition chinoise (calligraphie, peinture chinoise) et de l’enseignement de la peinture occidentale (perspective, peinture à l’huile). Il étudie le fauvisme et l’impressionnisme.

C’est certainement à ce moment-là que l’académicien entend parler de Monet pour la première fois.

Il apparait évident que Zao Wou-Ki a cherché à aller au-delà de la simple étude de quelques tableaux du peintre impressionniste. Dès le départ il acquiert des livres, des revues, des périodiques qui traitent du Paris des années 40 mais il s’intéresse aussi à Renoir et Modigliani. Il voue très tôt un véritable intérêt pour l’impressionnisme. Lorsqu’il arrive à Paris, son premier geste est d’aller au musée du Louvre et au musée de l’Orangerie.

*Le all-over est une pratique apparue en peinture vers 1948, qui consiste à répartir de façon plus ou moins uniforme les éléments picturaux sur toute (en anglais all over) la surface du tableau ; celle-ci semble ainsi se prolonger au-delà des bords, ce qui élimine le problème du champ. Chaque coup de pinceau annule le précédent et le rapport de celui-ci avec la surface du fond. Cette technique a été inventée par Janet Sobel (1894–1968), peintre américaine d’origine ukrainienne. Jackson Pollock a vu son travail exposé en 1944, à la galerie Art of This Century, et s’en est inspiré pour créer ses propres drippings, en 19451. Avec sa manière, qui était de peindre une toile étendue sur le sol, il ne pouvait jamais voir la composition de façon globale. Par conséquent, la seule façon de lui redonner une unité était pour lui de répandre de la peinture partout, de manière égale[réf. nécessaire]. Dans son cas, il utilisait des bâtonnets et de la peinture industrielle, qu’il répartissait par gestes amples, mais contrôlés. Le résultat est une pure abstraction dans l’espace pictural.

Cycle des Nymphéas:

Offerts par le peintre Claude Monet à la France le lendemain même de l’armistice du 11 novembre 1918 comme symbole de la paix, les Nymphéas sont installés selon ses plans au musée de l’Orangerie en 1927, quelques mois après sa mort. Cet ensemble unique, véritable « Sixtine de l’impressionnisme », selon l’expression d’André Masson en 1952, offre un témoignage de l’œuvre du dernier Monet conçu comme un véritable environnement et vient couronner le cycle des Nymphéas débuté près d’une trentaine d’années auparavant. L’ensemble est l’une des plus vastes réalisations monumentales de la peinture de la première moitié du XXe siècle. Les dimensions et la surface couverte par la peinture environnent et englobent le spectateur sur près de cent mètres linéaires où se déploie un paysage d’eau jalonné de nymphéas, de branches de saules, de reflets d’arbres et de nuages, donnant « l’illusion d’un tout sans fin, d’une onde sans horizon et sans rivage » selon les termes mêmes de Monet. Ce chef-d’œuvre unique ne connaît pas d’équivalent de par le monde.

Expressionnisme abstrait :

Mouvement de peintres américains qui renouvellent l’abstraction après 1945. Chez ces peintres, le tableau est affirmé comme surface peinte et expérience intérieure du réel.

On distingue généralement deux groupes : le color field, qui valorise le champ coloré (Mark Rothko, Barnett Newman…) et l’action painting qui valorise la gestuelle (Jackson Pollock, Willem de Kooning…).

« Si je puis voir un jour le jardin de Claude Monet, je sens bien que j’y verrai, dans un jardin de tons et de couleurs plus encore que de fleurs, un jardin qui doit être moins l’ancien jardin-fleuriste qu’un jardin coloriste, si l’on peut dire, des fleurs disposés en un ensemble qui n’est pas tout à fait celui de la nature, puisqu’elles ont été semées de façon que ne fleurissent en même temps que celles dont les nuances s’assortissent, s’harmonisent à l’infini en une étendue bleue ou rosée, et que cette intention de peintre puissamment manifestée a dématérialisée, en quelque sorte, de tout ce qui n’est pas la couleur. »

Marcel Proust

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PARIS NEW MOON PARIS, LE NOUVEAU LIVRE DE RAPHAËL RINALDI

L’ESPACE CULTUREL GINGKO’ART DE PONTOISE ET LES ÉDITIONS ISANDRA, PRÉSENTENT LE 21 AVRIL PROCHAIN À PARTIR DE 18HO0; LE NOUVEAU LIVRE DE RAPHAËL RINALDI, « PARIS NEW MOON PARIS », UNE SOIRÉE PLACÉE SOUS LE SIGNE DE LA DÉDICACE ET DU DIALOGUE AVEC L’ARTISTE AUTOUR D’UNE L’EXPOSITION ÉPHÉMÈRE DE PHOTOGRAPHIES ARGENTIQUES SUR PAPIER BARYTÉ QUI PRÉSENTENT L’UNIVERS DU PHOTOGRAPHE TOUT EN METTANT EN AVANT UNE DES SCÈNES DU ROCK PARISIEN: LE NEW MOON.

A la fin des années 1980, la Mano Negra, les Wampas et bien d’autres y ont fait leurs armes. Retour sur l’histoire d’un club libertaire et agité qui réveilla Paris. Alors qu’un livre et une exposition ressuscitent le mythe, un journaliste se souvient.

Dans « Paris New Moon Paris », le photographe Raphaël Rinaldi nous embarque pour une virée au 66 rue Pigalle, au pays des groupes de rock, à une époque charnière où les synthés se taisent, la techno déboule et les guitares alternatives sont au sommet.

_1-Jean louis Aubert Daniel Roux Richard Kolinka Copyright Raphaël Rinaldi

Le New Moon, les fidèles l’ont vécu à fond sans se soucier de la trace que laisserait ce clair de lune électrique. Et puis les années sont passées, le bâtiment a été détruit, mais on n’efface pas les souvenirs, surtout quand ils sont bons!

Laurent Jézéquel pour télérama.

Se plonger dans Paris New Moon Paris, c’est découvrir l’empreinte d’une poignée d’esprits frappeurs et d’un lieu oublié qui pourtant ont contribué à la légende parisienne au même titre que les dadaïstes du Boeuf sur le toit ou les zazous des caves de Saint-Germain-des-Prés.

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Octobre 2014

Le rock français ? Eternel oxymore que d’aucuns ont toujours pris malin plaisir à railler. Certes Yves Adrien proclamait en 1973: « Je chante le rock électrique » mais n’avait-il prouvé par la suite sa constante tendance à entendre des voix ? Et si la France connaît sa vogue punk avec les Stinky Toys, Asphalt Jungle, Métal Urbain et quelques autres, celle-ci a tôt fait de muter en une coldwave élégante pour « chérubins électriques ». Vae victis : l’esprit novö avait pris le pouvoir!

1989: fin de partie ! Une poignée de fanzines s’activent en coulisse mais le Libération rock de Pacadis, Bayon et Daney achève son tour de piste. Les années Palace s’éteignent tragiquement dans le fric, la dope et le sida. La French Touch n’a pas encore réveiller les corps et les échos du CBGB ou du Marque, se font lointains. A peine entend-on en provenance de l’Hacienda, les ressacs de la vague « Madchester ». Le New Moon, installé dans les murs d’un ancien cabaret du Pigalle canaille et populaire, naît du pari que sous les cendres couve encore le feu sacré. Et il faut bien cette nouvelle phase de lune pour réenchanter la marée. Aux gueules de bois des lendemains de « nuits de la pleine lune » succède alors la sueur et la lueur d’une salle de concert prototypique, véritable creuset underground, qui plus de 300 jours par an fait monter sur scène groupes et projets musicaux de tous horizons. Un seul mot d’ordre: découvrir, explorer, révéler. Ce n’est pas le Cabaret Voltaire mais, si l’on ose, un « Cabaret Volts R » : R comme Rock et son halo de volts.

L’énergie du désespoir

Mais pourquoi se replonger aujourd’hui dans cette aventure ? Pourquoi perdre ses pas sous les néons d’une impasse nocturne où le souvenir dispute son héritage à la fantasmagorie. Nous dont la patrie est nimbée de nappes synthétiques, dont les affinités chics sont à chercher chez les jeunes gens modernes, qu’aurions nous à retenir du cri des derniers épigones d’un punk crade et cramé ? Nous qui vînmes au monde en cette année 1989, nous n’aurions même pas l’excuse de la nostalgie qui nous oriente plutôt vers les destins antérieurs à notre naissance comme l’énonce cette trop méconnue « loi de Sainte-Beuve » qu’on trouve dans Volupté : «Comment les souvenirs ainsi communiqués nous font entrer dans la fleur des choses précédentes et repoussent doucement notre berceau en arrière !…

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Les plus attrayantes couleurs de notre idéal, par la suite, sont dérobées à ces reflets d’une époque légèrement antérieure où nous berce la tradition de famille et où nous croyons volontiers avoir existé».

Et pourtant, ce n’est pas la nostalgie que Paris New Moon Paris cherche à exciter en nous. Ce beau livre édité par le Castor Astral n’est en effet ni un mémorial à la gloire des anciens combattants ni un énième coffee table book qu’on feuilletterait négligemment avant qu’il ne rejoigne son cimetière en quelque grenier. Son prisme est plus subtil. Plus intéressant aussi. Cette myriade de portraits rassemblés par le photographe Raphaël Rinaldi forme assurément un hommage mais surtout un manifeste à rebours. Poussière sélène qui, par ses rémanences voilées, nous dit quelque chose d’aujourd’hui. En observant cette succession de visages baignés par l’énergie, la provocation et la camaraderie, on se prend à entrer dans la danse. Ces instantanés en noir et blanc n’ont rien de figé, ils s’animent, chuchotent, ils ont une âme comme pouvait l’avoir le lieu qui les réunissait. Vases communicants, champs magnétiques: ce sont des conducteurs d’atmosphère.

Regards croisés sur une épopée d’anonymes

Dans cet aller-retour aux allures de cycle, on croise des noms bien connus : la Mano Negra, la Grande Sophie, Arno, … Mais ce sont les anonymes, les profils perdus de ces hérauts de la scène alternative, aventuriers clandestins dont les textes maladroits autant qu’émouvants s’entrecroisent au cœur des pages, qui nous parlent davantage. Parce qu’ils n’ont rien renié, qu’ils mettent la joie d’avoir partagé au-dessus de l’amertume. C’est à eux que s’adressent les préfaces des fondateurs Pierre Soler et Roland Piqueras, de l’excellent journaliste David Dufresne, de Marsu, le manager du label Bondage et des Béruriers Noirs. À eux, et au public du 66 rue Pigalle. Entre ces deux pôles aimantés par l’électricité de la musique la frontière était de toute manière ténue. Pourtant, une telle bulle amniotique, zébrée de flashs et propice à tous les échanges vitaux, ne pouvait décemment tenir la distance.

1993: le New Moon baisse le rideau. Pigalle range ses guitares. La foule se désagrège.

2004: l’esprit destroy trouve sa défaite apparente et paradoxale sous les chenilles du bulldozer qui vient raser l’ancien sanctuaire.

Resterait une chose à faire, se réapproprier l’ambiguïté du « caractère destructeur » qu’évoquait Walter Benjamin: « Voyant partout des chemins, il est lui-même toujours à la croisée des chemins. Aucun instant ne peut connaître le suivant. Il démolit ce qui existe, non pour l’amour des décombres, mais pour l’amour du chemin qui les traverse… »  Il faudrait suivre ce chemin. Comme dirait l’autre : « Paris vaut-bien une messe ». Mais pour que Paris soit Paris, encore faut-il que l’office trouve ses célébrants et ses témoins.

On pourrait se lamenter sur notre époque de basses-eaux, se résoudre à ce que le paysage urbain s’aseptise et que les nuits aient la couleur d’une ville-disneyland…

On peut aussi soutenir des lieux comme La Miroiterie qui perpétuent l’héritage et constituent autant de marges et d’interstices où soufflent l’esprit libertaire, son intransigeance et ses folies.

On peut récuser le nihilisme et saluer la beauté du geste de Raphaël Rinaldi. Par son excipit photographique, il donne raison à Léon-Paul Fargue, cet apache qui jamais n’avait cessé d’effectuer le trajet Paris-Paris : « Point n’est besoin d’écrire pour avoir de la poésie dans ses poches.»

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On peut, enfin, prêter pour une fois l’oreille aux syncopes d’Yves Adrien : « Du verre brisé, des cuirs flamboyants, et overdose sur overdose d’électricité. Laissez-vous porter, pendant un an, par cette rockanroll music (… It’s got a back beat, you can‘t lose it) : get yer ya ya’s out. Il n’est jamais trop tard pour tout recommencer. »

Guillaume Pinaut.

Raphaël Rinaldi, Paris New Moon Paris, Le Castor Astral, 336 pages, 45 euros.

Dans le silence de l’atelier! L’Espace culturel Gingko’Art de Pontoise présente: Du 14 avril au 12 juin, Joël Moulin, peintre et pastelliste, une exposition intitulée, « l’Esprit de la lumière »

La peinture une exposition intitulée,  « l’Esprit de la lumière » de Joël Moulin, non contente de me séduire, m’intimide. Elle joue avec la lumière. Vous croyez avoir perçu quelque chose et, dans la minute qui suit, elle n’est déjà plus de ce temps.

À une période où le futile envahit notre quotidien, l’art du peintre de Valmondois devrait nous interroger sur le sens que nous donnons au monde. Je suis un artisan, lui est un artiste. Je le rejoins sur le regard qui vise l’essentiel. Ses œuvres accrochent la lumière et je suis aussi fasciné par la lumière qui émane de ses oeuvres. Sa faculté de pénétrer les éléments m’impressionne.

C’est peut-être le cheminement que l’artiste nous lègue aujourd’hui par delà la lumière!

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L’artiste, le poète de la craie, Joël Moulin nous délivre de la peur et de la solitude par son travail, il a modelé, il a transformé, il s’est affranchit lui-même et a affranchit la matière. On peut dire que, dans cette démarche, l’art précède la science et lui ouvre les horizons de la liberté picturale.

Au cours de la deuxième décennie du vingtième siècle, un tournant radical et déterminant s’opère en peinture, l’invention de l’abstraction.
Certes, depuis la nuit des temps, des formes non figuratives ont été utilisées au sein de programmes décoratifs, par exemple les grecques ornant les terres cuites de l’Antiquité, les arabesques des ferronneries baroques ou les volutes de l’Art Nouveau. Mais ces motifs étaient subordonnés à des finalités extérieures, comme l’embellissement d’un lieu ou d’un objet. 
La démarche qui caractérise les maîtres de l’abstraction du début du 20 ème siècle consiste à proposer, purement et simplement, une « image abstraite ». 
L’oxymore que constitue cette expression, une image étant traditionnellement définie comme une réplique de la réalité, indique la nouveauté de l’entreprise.

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Les peintures abstraites sont des images autonomes qui ne renvoient à rien d’autre qu’elles-mêmes. Dans ce sens, elles s’apparentent aux icônes de la religion orthodoxe qui manifestent la présence d’un contenu plutôt qu’elles ne le représentent, mais, à la différence de ces images religieuses, les peintures abstraites rompent avec le monde des apparences. Elles révèlent l’existence de réalités jusqu’alors invisibles et inconnues, que chaque artiste détermine à sa façon, selon ses propres convictions, son parcours et sa culture, de l’art populaire aux théories les plus spéculatives.

Chacun des quatre artistes pionniers de l’abstraction, Frantisek Kupka, Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch et Piet Mondrian, aboutit ainsi à sa propre formulation de l’abstraction, indépendamment des autres. 
Ils ont néanmoins franchi le seuil de l’abstraction à peu près au même moment, entre 1911 et 1917, simultanéité qui peut s’expliquer par des préoccupations communes. Ils avaient tous une pratique spirituelle ou ésotérique.

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Ils étaient aussi, pour certains d’entre eux, très attachés à la musique, le moins imitatif de tous les arts, qu’ils ont parfois pris comme modèle. Et, plus généralement, ils travaillaient dans un contexte culturel, en particulier scientifique avec l’apparition de la physique quantique et de la théorie de la relativité, où la notion de réalité devenait problématique.

Comme le remarquait Paul Valéry à cette époque, « Ni la matière, ni l’espace, ni le temps ne sont depuis vingt ans ce qu’ils étaient depuis toujours« .

Dans ce contexte culturel et scientifique du début du 20e siècle, la réalité est moins ce que l’on perçoit à l’aide des cinq sens qu’une entité que l’on approche par des expériences de pensée. 
Les inventeurs de l’abstraction proposent une nouvelle forme de peinture en adéquation avec cette conception du monde.


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« Parler du pastel c’est parler du plaisir physique, du bonheur de la main qui trace, qui devient outil, médiatrice de la fusion de la craie et du papier c’est la fulgurance la réponse immédiate souvent à la limite extrême de la sensation où l’imperceptible prend forme, la précarité du moyen devient sa force.»

Joël Moulin.

Jeune étudiant à l’École des beaux-arts de Paris, Joël Moulin (1935-1997) obtient le prix de la Jeune peinture en 1958, puis le « Premier Grand Prix de Rome » en 1961. Parallèlement à ses expositions particulières, il participe à de nombreuses manifestations de groupe. Faisant le choix d’un travail solitaire, il se tient néanmoins à l’écart des galeries, enseignant dans le cadre de l’école d’arts de Cergy. Dans ce tableau, il révèle une perception intime d’un paysage à la réalité fugitive. Les détails se résument en une gestuelle de quelques lignes allusives, se rapprochant des expériences de Turner et de Monet.

A Vamondois, jouxtant la maison familiale,
l’atelier de Joël Moulin est resté en l’état depuis la disparition du peintre, en 1997. En plein
coeur de la végétation, presque invisible au milieu des arbres, un escalier raide conduit dans
l’antre du Val-d’Oisien d’adoption, né en 1935 à La Rochelle.

Mais arrivé en haut, le travail
de l’artiste prend tout son sens : une immense fenêtre s’ouvre sur le jardin. « Vues imprenables
» sur la nature. Comme le titre de l’exposition en deux volets qui lui était consacrée à l’abbaye
de Maubuisson et à L’Isle-Adam.


« L’atelier la nuit; une table dans l’ombre et son désordre indistinct. Une lumière suspendue comme une lune: c’est le reflet de la lampe dans la verrière, dont la structure, irrégulièrement soulignée par endroits d’un ocre calligraphié au bout du pinceau, semble flotter devant la profondeur bleue.

Un grand déversement blanc traverse la fenêtre et brouille l’étagement des plans. La transparence de la peinture, passée en voiles successifs, fait remonter l’opacité nocturne. Les formes restent encore enveloppées d’une nuit bleutée, ont-elles servi de transition nécessaire vers les dernières peintures, dans lesquelles le motif disparaît au fur et à mesure que la couleur s’affirme, couleur toujours claire, où les jaunes vont petit à petit gagner sur les bleus, sans que l’artiste ait jamais renoncé à de subtils mélanges sur la palette, ni la douceur des tons pastel.»

Extrait de Joël Moulin, Colette Garraud, historienne d’art.

C’est en 1959, deux ans après être sorti des beaux-arts de Paris,
que Joël Moulin rencontre le succès : il reçoit le Prix de la jeune peinture et, en 1961, le
premier Grand Prix de Rome lui ouvre les portes de la Villa Médicis, où, au contact de Balthus,
le peintre se détache des influences cubistes du Braque de ses débuts.

De retour d’Italie, en
1965, Joël Moulin entame une démarche vers l’abstraction et la luminosité : le motif est dissous
pour finalement disparaître presque totalement de la toile.

« Je vois
enfin la lumière»


En 1968, son installation dans le Val-d’Oise va beaucoup
contribuer à l’évolution du peintre. Dans l’atelier gris, d’abord, où il peint d’immenses pastels,
dans une tourelle, ensuite, où il installe un atelier surplombant le jardin. Un cadre propice
à la recherche de cette lumière, de ce mouvement, aussi, que Joël Moulin n’a de cesse de vouloir
apprivoiser. Il peint de sa fenêtre, totalement immergé dans la nature, cherchant son inspiration
dans son environnement très proche. « Joël avait avec la nature une relation privilégiée, presque
un rapport de force, se souvient Anne-Marie Moulin, la veuve de l’artiste. Il aimait s’y confronter.
»


Le principe de la nature morte est d’affirmer sa présence par l’absence de celle de l’homme. Elle a donc, par essence, un côté fantomatique : elle décrit la présence d’un absent. Plus elle évoque cette absence et plus elle est réussie.

Par ailleurs, au moment de la conception du tableau par le peintre, une tension s’établit entre le réel et la conception que le peintre se fait de la construction nécessaire. Au fur et à mesure de l’installation de la nature morte vont émerger progressivement les lignes solides de la composition. Du fantôme idéalisé de l’esquisse, on va passe progressivement à la solidité de la nature morte en place.

La nature morte est ainsi constituée au carrefour de 2 fantômes : le fantôme de sa conception, qui va en reculant au fur et à mesure que la nature morte se constitue ; le fantôme de l’homme, de plus en plus présent au fur et à mesure que la nature morte se dessine et que le fantôme de la conception s’éloigne.

Ce double fantôme avait été parfaitement compris et mis en valeur par un peintre contemporain, Joël Moulin , qui fut hanté par la description de l’essence des choses ; à ma connaissance, il fut celui qui alla le plus loin sur le chemin de la description fantomatique de ce qui peut constituer la présence d’une chose.

Cette approche fit merveille sur la représentation d’objets proches.

Apprivoiser la surface !

C’est en 1972, lors de l’exposition Rothko au musée d’Art moderne de la Ville de Paris, dans des salles alors à peu près vides, que Joël Moulin découvrit la peinture de Mark Rothko, sans doute l’une des formes les plus abouties de cet art de « dilater le temps » dont il rêvait. On ne saurait parler d’influence directe. La peinture de Joël Moulin n’a jamais été à proprement parler abstraite; même si les objets y sont parfois peu discernables, jamais sa couleur n’a cherché la saturation, et s’il joue des transparences de l’huile, il semble éviter les vastes surfaces, leur préférant un entrecroisement de touches longues. Pourtant, cette rencontre devait être déterminante, et s’inscrire logiquement dans la continuité de celle du peintre Turner – dont le voisinage envisagé à la Tate Gallery ne déplaisait pas à Rothko -, pour un artiste qui s’efforcerait plus tard de « conquérir la couleur », selon ses propres termes, avec une timidité avouée, presque avec peur.

« Je pense que mon travail actuel au pastel et au fusain doit à la longue modifier profondément ma façon d’aborder l’huile – c’est une remontée de la couleur que j’attends de tout cela! Je me souviens que, dans les années 60, c’est avec l’aquarelle que, petit à petit, j’avais construit cette façon de peindre en glacis.»

Peu à peu, le peintre abandonne les figures pour se concentrer sur l’atelier
et les paysages. Parallèlement, en 1982, alors devenu enseignant à l’École nationale supérieure
d’arts de Cergy-Pontoise, il décide de ne plus exposer. « Joël n’aimait que l’acte de peindre,
la finalité ne l’intéressait pas, souligne Anne-Marie Moulin. Dès 1959, alors très sollicité
par les marchands, il avait compris que le commerce le gênait pour mener à bien son travail.
Pour lui, le succès corrompait, et chaque exposition était un déchirement. »

« Exposer, c’est
arrêter sa recherche, ajoute Florence Moulin, la fille de l’artiste. Or, lui n’avait jamais
terminé. »


Ce n’est que quinze ans plus tard que Joël Moulin exposera de nouveau. Malade, peut-être
sent-il l’urgence d’achever sa quête ? Peut-être, simplement, a-t-il trouvé la lumière, comme
il l’écrit, en 1997, l’année de sa disparition :

« C’est étrange, je suis si heureux en ce moment
dans l’atelier. Je vois enfin la lumière. Elle a ouvert la porte et elle est entrée… »

Joël Moulin ( 1935-1997)

Né à la Rochelle

Parcours

1952/57 Études à l’École des Beaux-Arts de Paris

1959 Prix de la Jeune Peinture

1961 Premier Grand Prix de Rome de Peinture

1962/65 Séjour à la Villa Médicis, Rome

1968 Installation dans le Val-d’Oise

1982/97 Enseignant à l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Pontoise

Expositions personnelles ( sélection)

1960/72 Galerie Visconti, Paris

1972 Centre culturel d’Argenteuil

1982 Galerie Philippe Fregnac, Paris

1997 Espace Bateau-Lavoir, Paris

1998 Hommage à Joël Moulin, Villa Daumier Valmondois

1999 Espace Bateau-Lavoir, Paris

1999 Galerie d’art contemporain, Auvers-sur-Oise

2003 Centre d’art Jacques Henri Lartigue, l’Isle-Adam

Expositions de groupe et Salons

1958 à 1963 Salon de la Jeune Peinture, Paris

1961 à 1966 Grands et Jeunes d’Aujourd’hui, Paris

1969 à 1972 Salon de Mai, Paris

1972 Salon des Réalités Nouvelles, Paris

1975 et 1976Bienale de Toulon

1981 Exposition « Les chiens »

Galerie Philippe Fregnac, Paris

1982 Salon de Montrouge

1989 Fondation René Dubos, Pontoise

2003 Domaine départemental de Maubuisson, abbaye, Saint-Ouen-l’Aumône

Collections

Collections particulières ( France, USA)

École supérieure des beaux-arts de Paris et Ville de Paris

Lowe Art Center, Syracuse – New York, USA

Art Museum Corpus Christi, Texas, USA

 

Une semaine culturelle au nom de la femme: parce que nous le valons bien…

Une soirée pour célébrer la journée mondiale de la femme avec Isabelle, une après-midi écriture en compagnie de Marie-Véronique, une soirée avec l’auteure Micheline Hecquard et la semaine en photographies avec les œuvres de Valérie…Venez accrocher vos cadenas d’amours sur les grilles placées dans la bibliothèque.

Portez le ruban blanc. Pour montrer votre opposition à la violence des hommes envers les femmes, portez un ruban blanc épinglé à votre vêtement.

A une femme

Enfant ! si j’étais roi, je donnerais l’empire,
Et mon char, et mon sceptre, et mon peuple à genoux
Et ma couronne d’or, et mes bains de porphyre,
Et mes flottes, à qui la mer ne peut suffire,
Pour un regard de vous !

Si j’étais Dieu, la terre et l’air avec les ondes,
Les anges, les démons courbés devant ma loi,
Et le profond chaos aux entrailles fécondes,
L’éternité, l’espace, et les cieux, et les mondes,
Pour un baiser de toi !

Victor Hugo

Le mardi 8 mars

L’espace culturel Gingko’Art de Pontoise & Isandra Éditions célèbrent
la journée internationale des femmes

et vous invitent à la soirée du mardi 8 mars  à partir de 19 heures
(Apéritif dinatoire.)

Une soirée pour découvrir les photographies de l’artiste Valérie Hamel, une exposition intitulée « Au-Delà du silence ».

Et des œuvres proposées par la galerie Isandra.

Venez accrocher vos cadenas d’amours sur les grilles placées dans la bibliothèque.

Portez le ruban blanc pour montrer votre opposition à la violence des hommes envers les femmes, portez un ruban blanc épinglé à votre vêtement.

La Journée internationale de la femme est célébrée le 8 mars de chaque année par des groupes de femmes dans le monde entier. Elle est également célébrée à l’ONU et, dans de nombreux pays, c’est un jour de fête nationale. Lorsque les femmes de tous les continents, souvent divisées par les frontières nationales et par des différences ethniques, linguistiques, culturelles, économiques et politiques, se réunissent pour célébrer leur Journée, elles peuvent voir, si elles jettent un regard en arrière, qu’il s’agit d’une tradition représentant au moins 90 ans de lutte pour l’égalité, la justice, la paix et le développement.

Des femmes qui ont fait l’histoire

Rosa Luxemburg

La Journée internationale de la femme est l’histoire de femmes ordinaires qui ont fait l’histoire. Elle puise ses racines dans la lutte menée par les femmes depuis des siècles pour participer à la société sur un pied d’égalité avec les hommes. Dans l’antiquité grecque, Lysistrata avait lancé une « grève sexuelle » contre les hommes pour mettre fin à la guerre. Pendant la révolution française, des Parisiennes demandant « liberté, égalité, fraternité » ont marché sur Versailles pour exiger le droit de vote des femmes.

L’idée d’une Journée internationale de la femme s’est fait jour au tournant des XIXe et XXe siècles, période caractérisée dans le monde industrialisé par l’expansion et l’effervescence, une croissance démographique explosive et l’émergence des idéologies radicales.

Repères chronologiques :

1909 – Conformément à une déclaration du Parti Socialiste américain, la première Journée nationale de la femme a été célébrée sur l’ensemble du territoire des États-Unis, le 28 février. Les femmes ont continué à célébrer cette journée le dernier dimanche de février jusqu’en 1913.

1910 – L’Internationale socialiste réunie à Copenhague a instauré une Journée de la femme, de caractère international, pour rendre hommage au mouvement en faveur des droits des femmes et pour aider à obtenir le suffrage universel des femmes. La proposition a été approuvée à l’unanimité par la conférence qui comprenait plus de 100 femmes venant de 17 pays, dont les trois premières femmes élues au Parlement finlandais. Aucune date précise n’a été fixée pour cette célébration.

1911 – À la suite de la décision prise à Copenhague l’année précédente, la Journée internationale de la femme a été célébrée pour la première fois, le 19 mars, en Allemagne, en Autriche, au Danemark et en Suisse, où plus d’un million de femmes et d’hommes ont assisté à des rassemblements. Outre le droit de voter et d’exercer une fonction publique, elles exigeaient le droit au travail, à la formation professionnelle, et la cessation de la discrimination sur le lieu de travail.

Moins d’une semaine après, le 25 mars, le tragique incendie de l’atelier Triangle à New York a coûté la vie à plus de 140 ouvrières, pour la plupart des immigrantes italiennes et juives. Cet événement a eu une forte influence sur la législation du travail aux États-Unis, et l’on a évoqué les conditions de travail qui avaient amené cette catastrophe au cours des célébrations subséquentes de la Journée internationale de la femme.

1913-1914 – Dans le cadre du mouvement pacifiste qui fermentait à la veille de la Première Guerre mondiale, les femmes russes ont célébré leur première Journée internationale de la femme le dernier dimanche de février 1913. Dans les autres pays d’Europe, le 8 mars ou à un ou deux jours de cette date, les femmes ont tenu des rassemblements soit pour protester contre la guerre, soit pour exprimer leur solidarité avec leurs soeurs.

1917 – Deux millions de soldats russes ayant été tués pendant la guerre, les femmes russes ont de nouveau choisi le dernier dimanche de février pour faire la grève pour obtenir  » du pain et la paix « . Les dirigeants politiques se sont élevés contre la date choisie pour cette grève, mais les femmes ont passé outre. Le reste se trouve dans les livres d’histoire : quatre jours plus tard, le tsar a été obligé d’abdiquer et le gouvernement provisoire a accordé le droit de vote aux femmes. Ce dimanche historique tombait le 23 février dans le calendrier julien qui était alors en usage en Russie, mais le 8 mars dans le calendrier géorgien utilisé ailleurs.

Depuis ces années, la Journée internationale de la femme a pris une nouvelle dimension mondiale dans les pays développés comme dans les pays en développement. Le mouvement féministe en plein essor, qui avait été renforcé par quatre conférences mondiales sur les femmes organisées sous l’égide de l’ONU, a aidé à faire de la célébration de cette Journée le point de ralliement des efforts coordonnés déployés pour exiger la réalisation des droits des femmes et leur participation au processus politique et économique. De plus en plus, la Journée internationale de la femme est le moment idéal pour réfléchir sur les progrès réalisés, demander des changements et célébrer les actes de courage et de détermination de femmes ordinaires qui ont joué un rôle extraordinaire dans l’histoire des droits des femmes.

Le rôle des Nations Unies

Rares sont les causes dont l’ONU assure la promotion qui aient suscité un appui plus intense et plus vaste que la campagne menée pour promouvoir et protéger l’égalité des droits des femmes. La Charte des Nations Unies, signée à San Francisco en 1945, était le premier instrument international à proclamer l’égalité des sexes en tant que droit fondamental de la personne humaine. Depuis, l’Organisation a aidé à créer un patrimoine historique de stratégies, normes, programmes et objectifs convenus au plan international pour améliorer la condition de la femme dans le monde entier.

Au fil des ans, l’action menée par l’ONU en faveur de la promotion de la femme a pris quatre orientations précises : promotion de mesures juridiques; mobilisation de l’opinion publique et de l’action internationale; formation et recherche, y compris compilation de statistiques ventilées par sexe; et assistance directe aux groupes désavantagés. Aujourd’hui, l’un des principes d’organisation centraux des travaux de l’ONU est qu’aucune solution durable aux problèmes sociaux, économiques et politiques les plus pressants de la société ne peut être trouvée sans la pleine participation, et la pleine autonomisation, des femmes du monde entier.

Le samedi 12 mars

« Écrire : essayer méticuleusement de retenir quelque chose (…)»

À l’occasion du 18e Printemps des poètes, l’écriture s’invite
et vous invite à l’espace culturel Gingko’Art
samedi 12 mars 2016 de 15 h à 19 h

marguerite duras

« On ne trouve pas la solitude, on la fait. La solitude elle se fait seule. Je l’ai faite. Parce que j’ai décidé que c’était là que je devrais être seule, que je serais seule pour écrire des livres. »

Marguerite Duras

Au programme:

 

Marie-Véronique

De 15 h à 17 h

Vous aimez inventer des histoires? Vous écrivez déjà?
Vous avez envie de vous essayer à l’écriture?
Pas besoin d’être écrivain pour venir passer un moment convivial.
Autour des photographies originales de l’artiste Valérie Hamel et les cadenas d’amour!
Une exposition intitulée: « Au-delà du silence…»

Et…

Avec l’auteur Micheline Hecquard Avec la participation de
Jeanne et Marguerite Hecquard
Illustrations : Jean-Philippe Aizier

Micheline Hecquard

à partir de 17 heures

Lecture des poésies de l’auteur avec un recueil avant l’édition, « Au cours des jours, la vie», une exclusivité avant la lettre! Les textes sont illustrés par Jean-Philippe Aizier et quelques œuvres originales seront exposées.


La montagne

Blanche
Ou bleutée
Verte
Ou fleurie
Tu me ravis
Et m’éblouis
Je ne connaissais que la mer
Le vent et la campagne
J’aimais l’espace et la nature
Je regardais le ciel très pur
J’étais en Normandie
Et nous sommes partis
J’avais 20 ans
Depuis peu de temps
Nous avions décidé
De te rencontrer
Å Saint-Gervais-les-Bains
Arrivés un matin
Ta majesté
Ton immensité
Ton éclat
Toujours là
Ta fraîcheur
Un bonheur
Ont fermé ma bouche
Agrandi mes yeux
Pendant des années
Nous sommes retournés
Avec nos enfants
Nous poser sur tes pans
Écouter tes ruisseaux
Et savourer leur eau
Puis je suis allée
Découvrir les névés
Marcher ou skier
Ou me poser
Dans le silence
La différence
Qui étais-je avant
Privée si longtemps ?

Micheline Hecquard.

Camille Claudel

« Je réclame la liberté à grand cri ».

Camille Claudel

 

 

 

 

L’Espace culturel Gingko’art de Pontoise présente: Valérie Hamel, photographe, une exposition intitulée, « Au-delà du silence…»

L’artiste trouve dans le tissu urbain une inspiration sans cesse renouvelée. A travers près de 40 images, l’exposition retrace plus de quinze ans d’un parcours photographique qui a mené cette artiste des atmosphères de son lieu d’habitation aux squares parisiens via les plages de Normandie, avec toujours cette attention si particulière portée à l’énigmatique. L’artiste n’aperçoit pas la nature des choses comme elle apparaît au commun, puisque son émotion lui révèle les vérités intérieures sous les apparences.

Un appel à la contemplation, une invitation à abandonner une forme de rationalité pour accéder à l’impossible et en profiter.

La photographie est souvent considérée comme un art qui se suffit à lui même, et leurs auteurs peu enclins au travail littéraire.

Témoignage précieux d’un temps passé, écrin de tranches de vie, sensation du toucher au-delà de l’image…

La passagère du Pont des Arts

La passagère du Pont des Arts

Conçues comme des poèmes visuels, ses images nous entraînent dans le monde de l’infini et de l’indicible, dans un univers où le mystère côtoie le familier, l’étrange, le poétique. Elles invitent à la plus grande concentration au milieu même des choses les plus insignifiantes, célèbrent une certaine qualité de lumière qui renvoie à un profond mystère et cherchent à dépasser, en une image, la simple forme des choses pour exprimer tout à la fois les sensations, les sentiments et les pensées.

Pourtant lorsqu’on a l’occasion d’en apprendre plus sur ce qu’une image veut dire ou les directions, les inspirations qui ont menées la photographe, l’œuvre s’enrichit d’autant. En rencontrant Valérie Hamel qui travaille d’abord la construction mentale qu’elle illustre de photographies, nous allons à la recherche de ces artistes vers une voie où l’image et la pensée sont indissociables.

« La composition doit être une de nos préoccupations constantes, mais au moment de photographier elle ne peut être qu’intuitive, car nous sommes aux prises avec des instants fugitifs où les rapports sont mouvants.

Le temps court et s’écoule et notre mort seule arrive à le rattraper. La photographie est un couperet qui dans l’éternité saisit l’instant qui l’a éblouie. »

Henri Cartier-Bresson

«Un monde d’une transparence unique, léger, doux, accueillant et sensible pour une série d’images indatables, entre nostalgie et rêve, qui en appellent au bonheur. Chaque carré est comme un petit conte séduisant dans lequel on a envie de se lover, de rester, de se protéger puisque le temps est arrêté, que la lumière est là, installée telle une caresse et qu’il n’y a plus aucune raison d’aller retrouver ailleurs un monde qui ne saurait avoir des teintes aussi raffinées. […] Un appel à la contemplation, une invite à abandonner une forme de rationalité pour accéder à l’impossible et en profiter.»

Porte close

Porte close

Depuis 1997, Valérie Hamel photographie avec un Pentax K1000. Il y a presque 4 décennies, si vous vouliez apprendre les ficelles de la photo, l’une de vos options en matière d’appareil était un reflex basique 35mm manufacturé par Pentax : le K1000. Ce reflex abordable avait tout ce dont le photographe amateur avait besoin : il était complètement mécanique, avait des réglages manuels, un système de mesure TTL, des vitesses d’obturation allant de 1/1000 à 1 seconde et était compatible avec tous les objectifs pour boîtier K disponibles. Remarqué pour sa longévité exceptionnelle, Pentax produisit cet appareil basique mais fonctionnel de 1976 à 1997, en vendant plus de 3 millions d’unités.

L’appareil devient extension de l’œil. Tout au fil de sa carrière, ce type d’appareil ne la quittera jamais… Le format de ses images (inhérent à ce type d’appareil) est rectangulaire, ce qui renforce, plus que le format carré, la dynamique de ses sujets. Quant à ses tirages (sur papier presque mat), elle les aime dans toutes les nuances de gris. Ses photographies sont essentiellement en noir et blanc.

Valérie Hamel a réalisée un travail onirique assez étonnant. Elle a une lumière très particulière, assez transparente et extrêmement légère. On devine des ombres qui se promènent dans des paysages urbains qui sont à la fois des mélanges de paysages d’intérieur et d’extérieur, des paysages mentaux inquiétants et très énigmatiques.

On a l’impression de se promener dans une sorte de rêve nuageux, léger et aérien. C’est un travail qui procède beaucoup de cette sorte de transparence de l’image.

Il ne faut pas que la technique envahisse la photographie comme pour faire écran à son essence.

La photographie comme la peinture est l’expression d’un condensé de « l’Esprit » ou de la « Conscience » humaine, dans sa dimension la plus profonde.

Sur la plage abandonnée

Sur la plage abandonnée

Tout le contraire de ce flot d’images pour la plupart inutiles, éphémères et superficielles, dont nous bombardent continuellement les médias,
au point de créer la plus grande confusion intérieure.

La photographie telle que je la conçois, est « un arrêt sur image »,
de sorte que la pensée émotionnelle dans sa cacophonie et sa bousculade effrénées,
s’arrête enfin paisiblement, et que l’Esprit dont la Nature essentielle est l’immobilité contemplative, émerge tout à coup dans la lumière de la Beauté éternelle.

La photographie argentique est une technique photographique permettant l’obtention d’une photographie par un processus photochimique comprenant l’exposition d’une pellicule sensible à la lumière puis son développement et, éventuellement, son tirage sur papier.

Elle se pratique en noir et blanc et en couleur.

« Cela fait partie du travail du photographe de voir plus intensément que la plupart des gens. Il doit avoir et garder en lui quelque chose de la réceptivité de l’enfant qui regarde le monde pour la première fois ou du voyageur qui pénètre dans
un
pays étrange. »

Bill Brandt

Le terme « argentique » s’est répandu au début des années 2000 quand le besoin s’est fait sentir de distinguer la photographie classique, sur pellicule, de la photographie dite « numérique » en plein essor.

Emprunté au vocabulaire de la chimie, il fait référence aux minuscules agrégats d’argent qui constituent les images produites selon ce procédé. Il doit probablement son succès en français à une heureuse euphonie avec « numérique » (« digital » en anglais) dont il paraît l’antonyme naturel: même nombre de syllabes, même terminaison en «ique », même distinction savante. Cependant, le terme « numérique », dans cette acception, est issu de la théorie du signal où les procédés non numériques sont plus généralement appelés « analogiques ». On parle donc aussi parfois de « photographie analogique » et c’est plutôt ainsi qu’elle est désignée en anglais. L’image inscrite sur la pellicule est en effet une reproduction analogue de ce qui est photographié alors que dans un appareil numérique, l’image est codée sous forme binaire.

Enregistrement des images sur pellicule:

La pellicule est constituée d’un film support en plastique, recouvert d’une émulsion : c’est une couche de gélatine sur laquelle sont couchés en suspension des cristaux d’halogénure d’argent; pour les émulsions modernes il s’agit de bromure d’argent (AgBr). Dans ce cas, chaque cristal est formé de plusieurs milliards d’ions d’argent (Ag+) et d’ions de brome (Br−) organisés en un réseau cubique.

Lors de l’exposition à la lumière, une image latente se forme en petite gouttelette:

  • des photons provenant de la partie éclairée du sujet arrivent sur la pellicule;
  • pour chaque photon absorbé se forme une paire électron-trou: un électron se libère du réseau et va être capté par un ion Ag+;
  • cet ion Ag+ est réduit, c’est-à-dire qu’il se transforme en un atome d’argent qui est exclu du réseau cristallin.

Pour chaque cristal, selon l’intensité lumineuse de la partie du sujet qu’il décrit, de zéro à une dizaine d’atomes se forment. Ces atomes ont tendance à s’agglutiner pour former un agrégat (cluster en anglais).

Pour les émulsions actuelles, seuls les cristaux contenant au moins quatre atomes d’argent pourront être entièrement réduits lors du développement photographique, en particules noires visibles par l’œil humain (les grains d’argent) pour cause de la bande interdite (issue du modèle des bandes). Le développement est un phénomène d’accélération de la réduction des ions Ag+ en atomes d’argent : les cristaux contenant un agrégat ayant un potentiel électrique supérieur à celui du révélateur, c’est-à-dire un agrégat de quatre atomes ou plus, vont attirer les électrons du révélateur vers les ions du cristal, qui vont finir par tous être réduits. En revanche, les autres cristaux n’atteignant pas la masse critique de quatre atomes en agrégat rendent des électrons au révélateur et se transforment en ions invisibles. Ces ions seront ensuite dispersés lors d’une phase de lavage et de fixage. C’est la gélatine qui isole les cristaux les uns des autres et leur permet de réagir individuellement.

Le jardin des tuileries

Le jardin des tuileries

À cause d’un phénomène de recombinaison rapide de la paire électron-trou sans effet chimique, et de l’oxydation par le trou de certains atomes d’argent provisoirement formés, le rendement de la réaction de formation initiale des atomes d’argent est de 0,2 atome par photon. Il faut donc 15 photons pour produire les 3 atomes d’argent nécessaires à la formation des grains lors du développement. D’un point de vue macro, on peut donc constater que 80% de la lumière qui arrive sur la pellicule est non-assimilée.

Une publication de décembre 1999 dans la revue Nature par Jacqueline Belloni, Mona Treguer, Hynd Remita et René de Keyser montre qu’on peut décupler le rendement de cette réaction en incorporant dans l’émulsion du formiate d’argent (HCO2− + Ag+), qui agit comme un « piège à trou », c’est-à-dire un inhibiteur des phénomènes compétitifs qui limitent habituellement le rendement de la réaction2. La société de chimie Agfa est détentrice de brevets déposés à la suite de cette découverte, mais aucune application commerciale de cette dernière n’est apparue sur le marché.

Résolution des images:

Dans le cas d’une pellicule à grains fins (donc peu sensible à la lumière), la taille moyenne d’un grain d’argent est d’environ 20 micromètres. Il y en a donc environ 2 millions à la surface d’un négatif de 24 mm x 36 mm, et près de 180 millions à la surface d’une plaque de 24 cm x 30 cm. Même si un grain d’argent n’est pas exactement l’équivalent d’un pixel puisqu’il ne peut (à l’issue du développement) être que réduit ou intact, alors qu’un pixel peut enregistrer l’intensité lumineuse reçue, on constate que la résolution d’une image obtenue à l’aide d’une plaque photographique peut aujourd’hui encore être nettement supérieure à celle des meilleurs appareils photographiques numériques.

Espace Gingko’Art
2, Place de l’Hôtel de ville
01 34 43 55 13 & 06 10 20 05 56
gingko-art@orange.fr

Ouverture du mardi au samedi de 15h30 à 17 heures
Accès par A15, direction Rouen, sortie n°9 direction centre ville-Hôtel de ville.
SNCF gares du Nord ou Saint-Lazare Pontoise RER ligne C Terminus Pontoise Gare